Kürzlich haben wir an dieser Stelle die Comiplation „Kreaturen der Nacht“ vorgestellt, da war das Fazit, dass sie schon mehr für den Kenner von deutschem Underground zu Zeiten der NDW geeignet ist. Nun hat das Hamburger Label Bureau B mit „Sowas von Egal“ eine ähnliche Werkschau herausgebracht. Unerfahren ist auch diese Plattenfirma nicht, zumal sie jede Menge elektronische Musik, Krautrock, aber auch Neue Deutsche Welle wieder veröffentlicht.

Also Erfahrung ist schon vorhanden, zudem haben sie Unterstützung vom Damaged Goods Team bekommen, die entsprechende Platten auf ihren Parts drehen lassen. Herausgekommen ist eine Compilation, die noch tiefer in die Materie eintaucht als „Kreaturen der Nacht“, und hier sind nur noch Experten die Bands bekannt oder deren Namen zumindest geläufig. Der bekannteste Act ist sicherlich Matthias Schuster, den man als Bandmitglied von Geisterfahrer kennt. Diesmal ist er allerdings allein zu hören mit dem stoisch harten EBM-Stück „Für alles auf der Welt“. Auch die Band Der Moderne Man ist noch geläufig, und ihre Interpretation des Lale-Andersen-Klassikers „Ein Schiff wird kommen“ (heißt diesmal „Blauer Matrose“) ist packender Post-Punk, der zudem ungemein tanzbar ist.

„Spiegelbild“ von Gorilla Aktiv erinnert manchmal an Peter Schillings „Major Tom“, ist aber weitaus aktiver und eine Mischung aus Minimal Wave und DAF. Unterhaltsam sind Songs wie „1000 gelbe Tennisbälle“ von 08/15. Und der Zeitgeist des Kalten Krieges ist bei „Die Russen kommen“ von Berlin Express mehr als spürbar, man kann auch sagen, „Tanz den Kommunismus“, um noch einmal DAF zu Rate zu ziehen.

„Sowas von Egal“ ist ein tolles Zeitdokument, die die Musik, aber auch die politische und soziale Situation der Jahre gut widerspiegelt,d zudem macht es auch Spaß, in diese Sounds einzutauchen.

Erschienen bei: Bureau B / Indigo

www.bureau-b.com

Es wird gerätselt, was das der Titel des dritten Albums von Heim „WS“ bedeutet. Es wird über Wintersemester gemutmaßt und dann über Wattsekunde. Vielleicht haben sie auch „VS“ falsch geschrieben, oder es bedeutet „WAS“. Vieles ist möglich, aber nichts Genaues weiß man nicht. Fest steht aber, dass die Band aus Franken auf „WS“ das musikalische Erbe der glorreichen Indie-Zeit diesmal besonders hoch hält, und so hört man an vielen Ecken Momente von Pavement oder Dinosaur Jr hören kann.

Die Gitarren entsprechend verstimmt und dennoch ins Mark gehend und entsprechend verzerrt. Gerne räumt man den Instrumenten auch ein bisschen mehr Platz zum Austoben ein, wie bei „Alt“, und dennoch ist es bei „WS“ nicht so, dass man denkt, man hätte es mit einer Nostalgie-Show zu tun. Die Songs sind packend und lassen sich immer Zeit zum Gedeihen und um Wurzeln zu schlagen und richtig zu wuchern, um neuen Input aufsaugen zu können und eigene Vitalität wieder abzusondern.

Denn man muss gestehen, dass Denny Thasler (Gitarre, Bass, Gesang), Florian Bauer (Bass, Gitarre, Gesang) und Michael „Mike“ Shihrer (Schlagzeug) einen sehr kompakten Sound erschaffen und dabei doch nicht zu verkniffen zu klingen. Es ist viel Post-Punk in ihrer DNA, und angeblich verbindet die drei die Vorliebe zu den Swans, und dennoch ist ihre Musik nicht so zerstörerisch.

Auch wenn Heim eine Liebe zum Noise haben, ist diese noch hörbar, artet aber nicht in lange Musikstücke aus. Textlich sind sie auch eher eindeutig und versuchen jetzt nicht, Sätze umständlich zu verschachteln, und dennoch haben ihre Worte eine Dringlichkeit. Es ist genug Wut im Gesang, aber es ist stellenweise auch resigniert vorgetragen. „WS“ ist ein ziemlich gelungenes Werk, das Tradition liebt und Erneuerung nicht scheut. Nur was „WS“ bedeutet, bleibt weiterhin offen.

Erschienen bei: Tapete Records / Indigo

eigenheim.bandcamp.com/releases

Sicherlich werden die Fans der ersten Stunde vom neuen Within-Temptation-Album „Resist“ enttäuscht sein. Doch die Band stand am Ende und laut Sängerin Sharon den Adel: “hätte es ‘Resist’ nicht gegeben, gäbe es Within Temptation wohl auch nicht mehr.”. Deswegen hat es auch sechs Jahre gebraucht, bis „Resist“ draußen ist. Die Band war also an mehreren Scheidewegen, und von daher kann man von Glück reden, dass es nun doch ein neues Album gibt.

Und dennoch wird es einigen Fans doch vor den Kopf stoßen, schließlich ist es dass poppigste Werk von Within Temptation. Dazu noch die Vorab-Single „In Vain“, welche doch lange kraftlos ihren Weg sucht und im ganzen doch eher ein Schwachpunkt auf diesem siebten Album der Band ist. Ansonsten bleiben sie sich aber in vielen Momenten treu und servieren noch immer gerne symphonischen Metal, bei dem es auch diesmal jede Menge Hymnen gibt. Das ganze mit dem gewohnten Bombast, wie etwa bei „Supernova“, das mit dem kathedralenmäßigen Aufbau schon Eindruck schinden kann. Dennoch ist dieser Song recht griffig und poppig und wird sicherlich nicht bei jedem gut ankommen.

Bei „Endless War“ wird es nicht anders sein, denn es gibt elektronische Momente und klingt so, als wäre der Song von Rihanna geschrieben worden. Mehr Eindruck schindet der Opener, „The Reckoning“ geht ein wenig in Richtung Mittelalter-Rock, ohne dabei ein Klischee davon zu bedienen und wird mit Gastsänger Jacoby Shaddix von Papa Roach ergänzt. „Raise Your Banner“ mit In-Flames-Musiker Anders Fridén ist wirklich kraftvoll und mitreißend und sicherlich eines der Highlights auf „Resist“.

Der Schlusssong ist zwar auch so poppig, dass er bei RSH kaum auffallen würde, zeigt aber auch die Stärke, dass Within Temptation auch Pop mit Metal verbinden können. Auch wenn das nicht jedem schmecken wird.

Erschienen bei: Vertigo / Universal

www.resist-temptation.com

2017 erschien das Debüt von Harvey Rushmore & The Octopus, und schon damals konnte man erahnen, dass ihre Musik nicht ganz konventionell ist. Nun ist der Nachfolger „Futureman“da, und da geht es um einen Weltenretter. Das ist schon einmal begrüßenswert in der heutigen Zeit, und dennoch ist die Geschichte schräg. Es ist ein merkwürdiger Held, der die panischen Erdbewohner, von einem roten Schleim bedroht, rettet.

Ob der Superheld das Wesen auf dem Covermotiv ist, bleibt ungeklärt. Könnte aber sein, er sieht aus wie ein sonderbarer Außerirdischer, und laut der Erzählung der schweizer Band kreist er um die Erde auf einem ausgedienten Fernsehsatelliten. Doch der Gute ist von Liebeskummer in unterschiedlichen Arten geplagt, also ist der Futureman eher ein Antiheld.

Musikalisch ist das ganze Vorhaben dann ähnlich verrückt wie der Protagonist. Man hört Garage-Rock, doch keine Variation, die mit durchdrehenden Reifen auf einen zustürmt. Dazu gesellen sich gerne Surf-Sounds, aber damit nicht genug: Eine sachliche Art Noiser ist auch dabei, hält sich aber eher zurück. Die ganze Musik groovt auf nicht erklärbare Weise, obwohl auch Prog dabei ist. Am meisten aber fällt auf, dass Harvey Rushmore & The Octopus psychedelische Musik lieben und gerne auch mal sehr spacig klingen. Wobei diese Tatsache einen nicht verwundern sollte bei der Geschichte des merkwürdigen Heldens.

Wer die Flaming Lips-Platten immer für sonderbar gehalten hat, der wird sich bei „Futurman“ von Harvey Rushmore & The Octopus aber mal ordentlich umschauen. Herrlich abgedreht!

Erschienen bei: A Tree In A Field Records / Broken Silence

http://harveyrushmoreandtheoctopus.com

Fünf Jahre hat es gedauert, bis Sharon Van Etten ein neues Album herausgebracht hat. Das lag allerdings nicht zwingend daran, dass sie eine Blockade hatte,. Sie war als Schauspielerin unterwegs und hatte eine Babypause. Vielleicht ist das auch der Grund, warum auf dem Cover ein unaufgeräumtes Kinderzimmer zu sehen ist. Und genauso ist teilweise auch die Musik, die Songs sind schwer zugänglich, und an klassische Hits ist nicht zu denken.

Dafür sind die zehn Lieder verstörender als zuvor. Dabei besteht der Knochenbau noch immer aus Indie-Rock, nur ohne jegliche Rock-Mechanismen. Alleine schon die Tatsache, dass die Gitarre diesmal kaum eine tragende Rolle einnimmt, beweist es. Dafür hat Sharon Van Etten diesmal mehr Synthesizer eingesetzt. Das mag einen erschrecken, doch es tut „Remind Me Tomorrow“ wirklich gut. Sie übertüncht die Songs nicht damit. Sie geht filigran ans Werk.

Der Opener „I Told You Everything“ zeigt ein Piano, das erst einmal nackt daher kommt, und nach und nach tauchen elektronische Schichten auf, die sich ganz sanft über die Piano-Akkorde und den Song legen. Bei „No One´s Easy To Love“ ist der Sound aber schon kraftvoller, und dennoch hat die Melodie etwas Leichtes in sich und man darf in diesen Momenten sogar an gute Garbage-Songs denken. Tief in die Dunkelheit gräbt sie sich bei „Memorial Day“ hervor, und beim nachfolgenden „Comeback Kid“ klingt sie wie Florence Welch im Schatten, aber dieses Lied ist das eingängigste auf diesem Album.

Die zweite Hälfte von „Remind Me Tomorrow“ ist dann schwerer verdaulich. So ist „Malibu“ am Ende mit leichtem Noise versehen, oder „You Shadow“ wartet mit einer Kirchenorgel und düsterem Bombast auf. „Hands“ ist wuchtig und hat eine so rabenschwarze Aura, dass man neben der ganzen Wall of Noise sogar das Gefühl hat, Raben krächzen zu hören.

Der Schlusssong „Stay“ ist hingegen leichter und hat verspielte Klänge und Betas, die sogar ein wenig in Bewegung geraten. „Remind Me Tomorrow“ ist sicherlich ihr schwerst verdauliches, zugleich auch ihr bestes Werk, da sie ihren eigenen Kosmos erschaffen hat, in dem noch viel Großes geschehen wird.

Erschienen bei: Jagjaguwar / Cargo

www.sharonvanetten.com

Dass man das noch erleben darf! Ein neues Album von The Specials. Genau, die Band, die mit dem 2 Tone Ska der vermeintlich westlichen Welt den Ska nahegebracht und ihr auch ein neues Aussehen gegeben hat. Die britische Band schaffte 1979 mit ihrem Debüt „Specials“ den Durchbruch und zeigte, dass man mit dieser Musik auch auf britische Missstände aufmerksam machen kann. 1981 veröffentlichten sie den Song „Ghost Town“, der wunderbar die politische Landschaft und Gesellschaft unter Thatcher widerspiegelte und zudem einer der ungewöhnlichsten Nummer-Eins-Hits aller Zeiten ist.

Kurz danach aber wollte Keyboarder Jerry Dammers die Band anders ausrichten, weshalb Gitarrist Lynval Golding und Sänger Terry Hall die Band verließen. Terry Hall gründete daraufhin Fun Boy Three, mit denen es zwar auch poppiger wurde, die aber Songs ebenfalls mit politischen Äußerungen machten. The Specials lösten sich 1984 daraufhin auf und fanden 1997 zusammen, bis sie sich 2001 erneut trennten. Sechs Jahre später rauften sie sich zusammen, wenn auch nicht in der ursprünglichen Besetzung. Irgendwann hatte Dammers auch genug und beschäftigte sich anderweitig.

Nun aber sind die anderen Mitglieder wieder dabei und haben zum ersten Mal ein neues Album namens „Encore“ aufgenommen. Im ersten Moment kann man natürlich skeptisch sein, denn überzeugen die alten Recken noch? Und zudem könnte man auch sagen, dass sie ihre groß geplante Tour so pushen. Doch das würde zu der Band auch nicht passen, und so kann man sich über zehn neue Songs freuen. „The Lunatics“ war schon ein Hit für Fun Boy Three, ist diesmal aber wesentlich relaxter arrangiert, und dennoch bleibt die Message erhalten.

Des weiteren sind zwei Fremdkompositionen dabei: Eddy Grants Frühphasen-Hit „Black Skin Blue Eyed Boys“ hat hier noch immer Funk, hat Drive und ist eingängig. Auch „Blam Blam Fever“ von Valentines ist ein Uptempo-Reggae-Stück, das ansehnlich dahin schunkelt und durch leichten Toast-Gesang aufgewertet wird. Doch wer denkt, dass The Specials eher wie eine Retro-Veranstaltung aussehen, der liegt falsch. Sie können auch heute noch wichtig sein und etwas zu sagen haben. Relevantester Moment auf „Encore“ diesbezüglich ist „10 Commandments“, bei dem die Aktivistin Saffiyan Khan hie die Lage analysiert und Statements direkt in die Ohren katapultiert, ohne dabei den Zeigefinger zu erheben. Aber es geht auch um persönliche Dinge. Mal eher ein wenig banal, wie bei „Breaking Point“, bei dem es um die Nachteile des Internets geht.

In „The Life And Times (Of A Man Called Depression“ geht es um die Depression, die Terry Hall eine Zeit lang erlebte. Musikalisch ist dieses Album nicht mehr ganz so Up-to-Date, wie es die Band früher einmal war, dennoch ist es frisch genug, um heute zu begeistern. Nach mehrmaligem Durchlauf bemerkt man zudem, dass es ein stimmiges und liebenswertes Werk ist, bei dem man nicht das Wort Comeback in den Mund nehmen muss, da es nicht wie ein Aufbrühen alter Zeiten und Fähigkeiten ist. Noch immer groß, The Specials!

Erschienen bei: Universal

www.thespecials.com

Ist es eigentlich normal, dass man finnische Musik nie ernst nehmen muss/kann? Die Bücher sind ja voll mit Acts aus dem Land, die schräge Musik machen. Gut, es gibt schon Kurioseres, als das, was Jaakko Eino Kalevi auftischt. Doch man soll die Musik dann doch nicht bierernst nehmen, alleine schon das Cover seines Debüts „Dragon Quest“ beweist es. Damals, 2007, hat er seinen Namen in Deathmetal-Schriftzug auf das Cover gepackt, zu hören war eine Mischung aus Jazz, Reggae, Latin und Electronic.

Seitdem ist er emsig, aber seine Musik wurde doch zugänglicher, und er singt auch längere Zeit nicht mehr auf finnisch, sondern auf englisch. „Out Of Touch“ ist sein neuster Langspieler, der Sound ist diesmal sehr wohlklingend, gerne auch weich und bequem wie ein Plüschsessel. Der Opener „China Eddie“ ist jazziger Pop, bei dem alles gut temperiert ist. Zudem ist der Song smart, Jaakko Eino Kalevis Gesang weich und das Saxophon richtig elegant. Schnieke Musik, und so geht es auch erst einmal weiter.

Alles fühlt sich an wie eine weiche Wolke, und dennoch sind Songs wie „Outside“ weit, weit weg von Chill-Out oder elektronischem Lounge-Pop. Der Finne mischt hier noch immer mal spacige Sounds, und Jazz ist mit das wichtigste Genre auf „Out Of Touch“. Das macht das Album dann hörenswert, denn es gibt auch Momente wie „People In The Centre Of The City“. Das klingt wie ein käsige Variation von Italo-Pop mit reichlich Kitsch. Doch wie gesagt, man sollte Finnen nie zu bierernst nehmen, und Jaakko Eino Kalevi mischt jede Menge Humor und Ironie auf „Out Of Touch“.

Erschienen bei: Weird World / Domino / GoodtoGo

www.jaakkoeinokalevi.com

Selten kann man über einen Menschen in Worten wie „Legende“ oder „Original“ sprechen. Meist wird es inflationär verwendet, und somit haben diese tollen Eigenschaften ein wenig an Glanz verloren. Doch bei Achim Reichel passt es wie die bekannte Faust aufs Auge. Denn Achim Reichel begann seine Karriere schon in den frühen Sechzigern mit The Rattles. Mit diesen trat er im Hamburger Starclub auf und lernte Stars wie Little Richard oder auch The Beatles kennen und freundete sich an. Schon bei dieser Gruppe gab es viele Facetten, da gibt es niedliche Beat-Schlager wie „Come On And Sing“, aber auch ungestüme psychedelische Rock-Songs wie „The Witch“.

Doch irgendwann stieg er aus und gründete A.R. & Machines. Mit diesen machte er Krautrock, und die Platten aus der Zeit sind noch heute beliebt. Auch an Wonderland, die den Hit „Moscow“ hatten, war er beteiligt. Diese ganzen Unternehmungen sind auf der vorliegenden Zusammenstellung „Das Beste“ nicht vorhanden. Das kann man schade finden, aber es würde dazu führen, dass diese Song-Sammlung wie Kraut und Rüben wirkt.

Doch auch seine reinen Solo-Aktivitäten weisen viele Facetten auf, und auf „Das Beste“ ist soviel Material, das sich auf zwei CDs erstreckt. Auch hier gibt es Vieles. Viele Shantys, die er teilweise schon in den siebziger Jahren herausgebracht hat. Sein Gassenhauer „Aloha Heja He“ haute Anfang der Neunziger in die gleiche Kerbe und sorgte dafür, dass Reichel so etwas wie Norddeutsches Volksgut wurde, genau wie Hans Albers, Heidi Kabel oder Jan Fedder. Da passt es auch, dass „Auf der Reeperbahn Nachts um Halb Eins“ mit dabei ist.

Doch Achim Reichel kann auch guten Schlager wie „Kreuzworträtsel“ schreiben, Blues spielen wie bei „Am Besten Du Gehst“, welches er hier als Live-Aufnahme verwendet hat. Es gibt mehrere seiner Songs in einer Live-Version, z.B. „Herr von Ribbeck“. Er singt also auch Volkslieder, und das ganze mit Seele und ohne Peinlichkeiten, so wie es sich für ein Original gehört. Um nochmal auf die Vielfalt zurückzukommen, kann man auch kühn behaupten, dass „Der Spieler“ fast schon Postpunk sein könnte, zudem hat er bei diesen 81er Hit die Thematik Spielsucht so wunderbar arrangiert und besungen, dass man fast die Befürchtung haben muss, er habe dies selbst so erlebt. Doch das ist eine Fähigkeit, die nur einem Mann wie Achim Reichel gelingen kann.

Erschienen bei: BMG

www.achimreichel.de

Man sagt oft über irgendwelche Bands, dass sie vielseitig und ohne Angst vor Genregrenzen werkeln. Das trifft auf Stereolab wie auf kaum eine andere Gruppe zu. Gegründet 1990, hat die britisch-französische Band sich seitdem einen Ruf erarbeitet, bei dem sie immer ein Alleinstellungsmerkmal aufweisen kann. Wer das noch nicht nachvollziehen kann, der muss einfach der vorliegenden Compilation folgen.

„Switched On Volumes 1-3“ ist eine Übersicht der dreiteiligen Singles- und Raritäten-Reihe der Band. Die drei LPs “Switched On” (1992, LP, mit den ersten drei Singles der Band), “Refried Ectoplasm (Switched On Volume 2)” (1995) und “Aluminium Tunes (Switched On Volume 3)” (1998), sind hier zusammengefasst. Diese Tatsache ist schon toll, dass man das alles wieder kompakt kaufen kann. Doch es ist auch die Erklärung, warum Stereolab seit ihrer Gründung allein auf weiter Flur sind. Man hört eine Gruppe, die auf alle Konventionen pfeift und dennoch so charmante Lieder schreiben kann, dass sie jeden um den Finger wickeln können.

Nicht umsonst wird ihr Indie-Hit „French Disko“ immer wieder gecovert, unter anderem von Editors oder Beatsteaks. Zudem ist der Gesang der Damen immer sehr kindlich und lieblich. Man muss dabei auch mal an Francois Hardy denken, zumal Stereolab auch gerne in englisch und französisch singen. Musikalisch sind sie breit aufgestellt, das bemerkt man bei dem Vier-CD-Set ungemein. Es ist Twee-Pop vorhanden, andererseits haben sie den Post-Rock weiter voran gebracht. Sie scheuen sich auch nicht, Samba-Noten in ihren Kosmos zu schicken und auch für das Easy-Listening-Revival in den Neunzigern zeichnet die Band mitverantwortlich, dennoch sind sie weit weg von Klischees.

Doch am markantesten ist, dass Stereolab dem Krautrock huldigten, lange bevor es viele andere taten. Bei diesen ganzen Stilen und Richtungen hätte damals auch alles schief gehen können, doch es ist stimmig, auch wenn die Songs manchmal ein bisschen ungenau ausgearbeitet sind. So haben sie auch noch dem Lo-Fi wichtigen Schwung gegeben.

Erschienen bei: Rough Trade

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